Matilde Muñoz, periodista en la revista Crónica, acude en junio de 1933 a cubrir el estreno de Medea en el Teatro Romano de Mérida. Este hito cultural, sufragado con una partida de 50.000 pesetas, cambia la historia del teatro y de España. El 19 de junio, día siguiente del estreno, mientras espera la salida de su tren, Matilde repasa las notas que ha recogido para un artículo sobre Margarita Xirgu en las que se descubre quién es realmente esta actriz de éxito, cómo conoció la existencia de este espacio monumental unos años antes, cuándo nació su deseo de recuperarlo para el teatro, dónde se gestó la obra en cuestión, por qué consiguió llevar su proyecto a cabo y cuáles fueron para ella, como mujer y empresaria, las mayores dificultades que tuvo que solventar para poner en escena una obra protagonizada por una mujer, Medea, discriminada por ser mujer, extranjera y de otra religión.

Lo primero que dejará perplejo al espectador es la modernidad de los planteamientos de la obra. Corrupción, lujuria, codicia desorbitada y unos personajes que creados hace 21 siglos nos miran y nos dicen: soy como tú. Y sí, yo soy Panfilo y soy como tú, pero también soy un Benny Hill mirando las piernas de una enfermera, y Harpo Marx corriendo detrás de una corista, y quizás sea como ese irresistible Don Juan que tantos descalabros morales cometió y de cuya memoria se guarda respeto gracias al perdón obtenido en la Confesión. Lo malo del protagonista es que no reúne los atractivos del personaje de Zorrilla pero sí suficiente riqueza para saltar despreocupado de un lecho a otro. El destino le pondrá en su sitio para escarnio, burla y regocijo del respetable.

Ulises rey de Ítaca, parte hacia Troya dejando atrás esposa, hijo y reino. Por venganza, los Dioses le impiden su regreso y su existencia se convierte en una larga aventura lejana a todo cuanto ama. 

En el amargo tiempo de espera su esposa Penélope vive una situación insostenible. Presionada por todos los que la rodean para que devuelva al reino su esplendor, esto solamente sería posible si vuelve a contraer matrimonio, dando un nuevo rey al trono vacío de Ítaca.

Solo su fiel criada Melanto es confidente de su pena y su esperanza para el regreso de su amado Ulises. Penélope, acosada por los pretendientes cada vez más osados e insistentes, establece un plazo para las nuevas nupcias: el tiempo que transcurra en tejer una nueva colcha matrimonial que hace y deshace para no verse obligada a la nueva boda. 

La malvada esclava Dione la acecha y la reina de Ítaca es descubierta por ella. Aquí comienza nuestra historia…

Basado en la obra “La Odisea” de Homero

“¿Qué rayo de sol atraviesa Tebas?
Espera a la sombra
el destino final de los descendientes de Edipo.
Antígona: TRES por tres y medio
¿Cuánta sangre cabe en un cuadrado?”

Esta nueva creación colectiva de la Companhia do Chapitô, la 38ª de su repertorio, sigue explorando el estilo de la comedia visual y física que invita a la imaginación del público. Transformar la tragedia en comedia, valorándola por su poder de cuestionar todos los aspectos de la realidad física y social, ha sido una de las premisas de esta Compañía.

Todos sabemos de qué va Antígona: Tras la muerte de Edipo (inolvidable la creación “chapitera” de EDIPO O EL COMPLEJO DE ÉPICO), la regencia de Tebas se dividió entre sus dos hijos, Eteocles y Polinices, quienes acordaron alternar el poder por períodos temporales. Al final del primer ciclo, Polinices ocupa su lugar y es detenido por Eteocles. Se une al rey de Argos iniciando una guerra con su hermano, que resulta en la muerte de ambos. Creonte, tío de los dos hermanos, llega al poder y decreta que Eteocles debe ser enterrado con todos los honores religiosos, y a Polinices, visto como un traidor, se le niega el derecho al entierro. Insatisfecha con esta situación, su hermana Antígona, en contra del decreto de Creonte, inicia los ritos funerarios por Polinices, siendo apresada por él y condenada a ser emparedada en vida.

En esta tragedia de Sófocles, el desenlace es así, trágico. Casi todos los implicados en esta historia mueren, a excepción de Creonte, que se queda hasta el final de su vida para expiar sus errores.

La Companhia vuelve a la esencia de la escena, continuando en la línea de sus creaciones anteriores, Electra y Edipo, cerrando una trilogía de carácter grecolatino clásico que se caracterizará por la economía de medios escenográficos y por la destilación (o in-adaptación) de esta pieza clásica. Así mismo anticipamos que la duración será de 60 minutos. Y que la escenografía se reduce a un cuadrado en el suelo de 3,5 metros de lado realizado con linóleo blanco. A ver cuánta sangre cabe ahí…

Hay proyectos que uno tiene que montar con irrefrenable urgencia porque le va la vida en ello, porque siente que no puede pasar un instante más sin enfrentarse a ese material literario dramático que reclama, desde el papel, convertirse en materia escénica. Y hay otros proyectos, entre los que se incluye esta Numancia, que se eligen con la frialdad de lo que se debe hacer y con los que, poco a poco, va surgiendo una relación personal que va madurando, y que pronto trasciende un primer atisbo de enamoramiento para constituirse en verdadero amor eterno. 

El cerco de Numancia es un texto sobradamente conocido y, seguramente, tras sus Entremeses, el más escenificado de don Miguel de Cervantes. Un texto imprescindible de un autor imprescindible y sin embargo, es uno de los grandes títulos que faltan por abordar en el ya amplio repertorio constituido en las ya más de tres décadas de historia de la CNTC. Nosotros, especialistas en rescatar rarezas medievales y renacentistas, en esta ocasión nos arremangamos para indagar en torno al autor más famoso de las letras hispanas. Así, de un día para otro, pasamos de dialogar con dramaturgos casi desconocidos, a codearnos con Cervantes que, más que un autor, es un auténtico mito. 

¡No se pueden imaginar la cantidad de llamadas que hemos recibido de compañeros teatreros y filólogos, e incluso del público amigo, explicándoles cómo hay que escenificar a Cervantes y, por supuesto, lo que se debe contar al abordar un texto tan conocido por todos como la Numancia!

En un local semioculto de un viejo barrio, un grupo de mujeres, lideradas por la misteriosa Dionisia, se reúnen por las tardes en torno a un bingo clandestino. El juego, en el fondo, no es sino una excusa para juntarse, merendar, contarse sus penas, compartir alegrías y preocupaciones y huir de una realidad triste y monótona. Sin embargo, hay un policía que está empeñado en hacerles la vida imposible, permaneciendo siempre al acecho para cerrarles el local con el pretexto de que se trata un bingo ilegal. Ellas buscarán la manera de evitarlo, pero en el camino surgirán sorpresas y encuentros inesperados, que desembocarán en un final trágico y salvaje.

Veinticinco siglos más tarde, Aristófanes sigue siendo un símbolo libertario con sus risas, sus críticas y sus fantasías utópicas. Nuestra propuesta pretende reivindicar la libertad del arte en un momento en que está siendo víctima de una sociedad sobreprotectora. Con una dramaturgia contemporánea, combinando la música, la danza, la literatura y lo visual ponemos el foco en la infantilización del mundo adulto que conlleva vivir en una ilusión, en un Mundo Disney, donde el arte debe ser correcto, fácil y que no haga daño. Arte vaselina.

Sobre la idea de que el arte debe ser ajeno a la moral construimos un espectáculo donde los Aristófanes, los Chaplins o los Molières encarnan la risa del disidente ante una sociedad basada en la religión de los sentimientos. Desde el humor y la sátira mostramos la perversidad buenista que señala, delata y lincha a los discrepantes en las nuevas hogueras de Twitter, Facebook y demás redes.

No estamos en un juego de buenos y malos, ni en determinar la moral a seguir, tratamos de iluminar la falsedad de manera tan evidente que el propio espectador descubra otra realidad insospechada.

Hombres que luchan por el poder de una nación. Traiciones políticas. Campaña electoral. En la Roma antigua de ayer tomados por la tecnología de hoy, estos hombres con ovarios y sus mujeres de pelos duros en el pecho, luchan por el poder de una nación. En una feroz versión libre de una de las obras más icónicas de Shakespeare la tecnología nos guía en esta historia de amores escondidos y mentiras piadosas políticas.

En un jardín de Lesbos, isla entre Oriente y Occidente, la poeta Safo ha convocado a las Musas protectoras del arte para saber qué será de su nombre. Las diosas detienen su juego para iniciar a Safo en un viaje a través del tiempo: de Ovidio al siglo XXI, de los versos perdidos a una subasta en Christie’s. Pero también nos acercaremos a la Safo humana, a la artista que tocaba en bodas y cantó al deseo por distintas mujeres. Safo inventó nuestra forma de entender el amor. Esta noche, de la mano de las Musas, intentaremos entenderla a ella.

Safo es un poema escénico, musical y visual que explora la figura de la gran poeta de Lesbos. Enigmática y misteriosa, es una autora venerada y respetada hasta hoy, que compuso más de diez mil versos, de los que sin embargo nos han llegado escasos poemas completos y versos sueltos. En contraste con la clamorosa ausencia de su obra, su figura legendaria no ha hecho más que crecer con el tiempo. 

Nuestra propuesta escénica recorre el universo sáfico a través de lo imaginado, lo proyectado, lo especulado por los/as estudiosos/as y artistas a lo largo de los siglos, y reconstruye a partir de lo que quedó –los enigmáticos versos incompletos, la influencia en autores posteriores como Ovidio, Catulo, Nosis o Erina–, lo que pudo ser y lo que significa Safo en un canon mayoritariamente masculino que durante siglos ha intentando reinterpretar su figura según los valores y prejuicios de cada época.

Un juego metateatral, un diálogo entre presente y pasado para celebrar a Safo.

Este espectáculo utiliza luces estroboscópicas.
Espectáculo recomendado para mayores de 16 años.

El Misántropo reivindica el derecho a ser huraño por naturaleza y lo lleva hasta el extremo por convicción. Para él, retirarse al campo, alejándose del mundanal ruido de la ciudad, es la única opción para poder llevar la vida que se adapta a su carácter ermitaño. No necesita nada más para vivir que lo que la naturaleza le ofrece con su trabajo. En esta versión se convierte en alguien que vive en el campo y que defiende lo ecológico, lo sostenible y que aboga por una vida austera. Este entorno rural se ve sacudido por la llegada de unos urbanitas con posibles que han construido un hotel ecológico que ofrece retiros espirituales para los acaudalados que necesitan desestresarse de la ciudad durante los fines de semana. Esto saca de quicio a nuestro protagonista que no tolera la invasión de su espacio, ni comparte la ideología impostada de estos personajes. Vive con él su hija, al que el autor ha bautizado como La Muchacha, quien ha crecido en ese recogimiento. Pero la chica está en edad de conocer otros mundos y anhela la diversión y los placeres que la ciudad puede ofrecerle. En esta versión este personaje tomará las riendas de su devenir argumental. 

La trama gira en torno a ella y es el único personaje de la función que no tiene nombre. Se encargará de romper la cuarta pared para contarle al público la situación de la mujer en la Grecia clásica y exigirá tener un nombre. Contará para ello con la colaboración del dios Pan, quien a su vez, es el encargado de presentarle a Sóstrato, el hijo de la propietaria del hotel rural, que se enamora perdidamente de la hija del Misántropo… Y ahí empieza la comedia.