El Festival de Mérida en Cáparra

Del 13 al 16 de agosto de 2020

El Festival de Mérida en Cáparra

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida abrió en 2017 su cuarta extensión en la ciudad romana de Cáparra, el primer escenario del certamen que vió la luz en la provincia de Cáceres. A esta extensión se suman las ya existentes en Medellín, Regina y Madrid.

A pocos kilómetros de la ciudad cacereña de Plasencia, en el término de Oliva, nos encontramos con el cautivador yacimiento de Cáparra. Una ciudad que bajo el dominio de Roma llegaría a convertirse en un importante nudo de comunicaciones en el eje norte-sur entre Augusta Emerita (Mérida) y Asturica Augusta (Astorga) que forma la Vía de la Plata. Esta situación estratégica le aseguró un lugar preferente entre los municipios romanos de la Lusitania, impulsando su desarrollo y su paulatina monumentalización, de la que dan fe los numerosos restos arqueológicos.

Amurallada en su totalidad, Cáparra tenía tres puertas de acceso, situadas respectivamente al sureste, este y oeste. Dos eran las vías principales que vertebraban la ciudad, el cardo y el decumano. En el centro del yacimiento se encuentra el arco de Cáparra, símbolo indiscutible de la ciudad y junto al cual se situará el escenario donde tendrán lugar las distintas obras teatrales programadas que detallamos a continuación.

Tito Andrónico

13 de agosto de 2020

Tito Andrónico

De Nando López / Antonio Castro Guijosa

Tras diez años de guerra, Tito Andrónico regresa al fin a Roma, victorioso y con la reina goda Tamora y sus tres vástagos como prisioneros. Después de sacrificar, tal y como ordenan los ritos sagrados, al mayor de ellos, Tito solo aspira a buscar tranquilidad y reposo, pues bajo su duro gesto de general triunfante, vive también un hombre con el alma fatigada por la dureza de la contienda y la temprana muerte de la mayoría de sus hijos. Solo cinco quedan a su lado y, entre todos ellos, no puede disimular su devoción por Lavinia, en quien ve la esperanza de un futuro que quizá pueda escapar a la violencia que lo ha acompañado a lo largo de su vida.

Poco durará, sin embargo, la calma: enseguida se verá obligado a interceder en las intrigas políticas entre Basiano y Saturnino, dos hermanos enfrentados por su derecho a la corona del Imperio. El voto de Tito a favor de Saturnino precipitará una cadena fatal de hechos que convergerán, siempre, en un instinto tan universal como peligroso: la venganza.

Se dice de Tito Andrónico que es la obra más violenta, la más brutal de Shakespeare. Lo es sin duda desde el punto de vista numérico: hay multitud de asesinatos, hay mutilaciones y también hay una violación. Pero lo que hace fascinante este texto no son los actos violentos, sino los mecanismos que llevan a esa violencia y la medida en la que se ejerce. Cómo sus personajes, independientemente de sus motivaciones (o justificaciones), utilizan la violencia en el mayor grado que su ingenio y su circunstancia les permiten. ¿Por qué no se detienen? ¿Por qué no buscan un mecanismo de justicia? Tal vez sea porque su dolor personal les hace perder la perspectiva, o tal vez haya un instinto más oscuro. Tal vez infringen todo ese dolor porque pueden.

Versión: Nando López.
Dirección: Antonio Castro Guijosa.
Reparto: José Vicente Moirón, Alberto Barahona, Carmen Mayordomo, Alberto Lucero, José F. Ramos, Quino Díez, Lucía Fuengallego, Gabriel Moreno, Guillermo Serrano, Jorge Machín.

Clitemnestra

14 de agosto de 2020

Clitemnestra

De José María del Castillo

Clitemnestra nos muestra la revisión del mito clásico huyendo de la tradición machista de la historia. Rescatamos a una mujer víctima de una sociedad consolidada por y para los hombres, una mujer rebelde con el sistema, adelantada a su tiempo y tildada, por tanto, de cruel y perversa a ojos de los hombres.

Texto original: José María del Castillo.
Reparto: Natalia Millán, Ángeles Rusó, Camino Miñana, Daniel Moreno, Benjamín Leiva, Lucía Ruibal/ Júlia Gimeno, Manuela Reina.
Dirección: José María del Castillo. Composición musical y arreglos: Alejandro Cruz Benavides.
Coreografía: Benjamín Leiva.
Vestuario: Mariani Marquerie.
Escenografía: Alejandro Arce. Iluminación y sonido: Miguel Guirao.

La corte del Faraón

15 de agosto de 2020

La corte del Faraón

De Guillermo Perrín, Miguel de Palacios y Vicente Lleó

La corte del faraón es una zarzuela denominada opereta bíblica en un acto y cinco cuadros. Se estrenó en Madrid en el Teatro Eslava el 21 de enero de 1910, con libreto de Guillermo Perrín y Miguel de Palacios y música de Vicente Lleó, allí disfrutó de más de 700 representaciones, convirtiéndose en una de las 5 zarzuelas más representadas. Está basada en una obra francesa sobre el episodio bíblico del casto José y la esposa de Putifar.

Desde su estreno no ha dejado nunca de representarse, algunas veces de manera oculta (ya que las representaciones fueron prohibidas durante la dictadura franquista, por su tono erótico e irreverente), y ya una vez en plena democracia, en múltiples salas tanto profesionales como amateurs. Es sin duda, junto a La verbena de la paloma, la zarzuela más conocida por el público en general, incluso para los que no conocen prácticamente nada de este género musical.

Proponemos una nueva versión, basada naturalmente en el tan conocido original, en donde la representación de la trama se ve alterada por distintos accidentes y acontecimientos ajenos al argumento del libreto, y llevándolo a un terreno algo más actual, aunque la acción la situemos en 1940 en plena posguerra.

Una nueva orquestación de los temas más populares con guiños musicales incluidos puede ser un buen método para hacer que el público salga entonando esas canciones inolvidables. Un giro hacia el musical y la revista más moderna, con vestuario y coreografía afines a nuestras intenciones y una adaptación que intentara sacar el polvo a una obra, ya de por si inmortal, para reconvertirla en un nuevo hit, si es posible, siempre que el tiempo y las autoridades no lo impidan.

Autores: Guillermo Perrín, Miguel de Palacios y Vicente Lleó.
Dirección: Ricard Reguant.
Reparto: Belinda Washington, Paco Arrojo, Marta Arteta, Noelia Marló, Inés León, Javier Enguix, Joan Carles Bestard.

Elektra.25, la universalidad de un mito

16 de agosto de 2020

Elektra.25, la universalidad de un mito

De Ricardo Iniesta

Atalaya lleva 25 años adaptando grandes textos del teatro clásico universal sin perder su reconocido lenguaje contemporáneo que comenzó hace casi cuatro décadas. Por ello en Elektra.25 –nuestro 25º montaje- queremos conmemorar dicha cifra, que coincide con los 25 años desde la muerte de nuestro referente del teatro más rompedor -Heiner Müller- y los 25 siglos del nacimiento de uno de los tres padres de la Tragedia Griega –Eurípides-.

En este montaje hemos trazado un puente entre la Electra de los grandes poetas griegos y quienes la adaptaron al siglo XX: Hoffmansthal, Sartre y el propio Müller, especialmente.

Es este aspecto de la “universalidad” en el tiempo el que más queremos recalcar en nuestra visión de la Tragedia. La “universalidad” de los mitos se mide por la capacidad de emocionar en diferentes contextos temporales y geográficos. En este sentido “Elektra” posee una fuerte carga emotiva debido a que su “leit motiv” esencial ha perdurado a través de los tiempos: “la venganza”, que ha sido y sigue siendo el origen de muchos conflictos a lo largo de la historia de la Humanidad.

Reparto por orden de aparición: Silvia Garzón, María Sanz, Lidia Mauduit, Raúl Vera, Javier Domínguez, Garazi Aldasoro, Imasul Rodríguez, Elena Aliaga. Coro de Erinias, Coro de Micenas, Coro de mujeres, Coros doncellas y otros coros.
Dirección y Dramaturgia: Ricardo Iniesta
Espacio Escénico: Ricardo Iniesta
Composición Musical: Luis Navarro y temas populares de Balcanes, Bielorrusia y Armenia
Dirección Coral: Marga Reyes
Vestuario: Carmen de Giles y Flores de Giles
Maquillaje, peluquería: Manolo Cortés
Coreografía: Juana Casado y Lucía You
Diseño de Luces: Alejandro Conesa
Espacio Sonoro: Emilio Morales
Ayudante de dirección: Sario Téllez
Asistente de dirección: Tiziano Giglio
Administración: Rocío de los Reyes
Distribución: Victoria Villalta
Producción: Francesca Lupo
Secretaría: Macarena Gutiérrez
Duración prevista: 1h 15’
Espectáculo recomendado a partir de 14 años.