La guerra después de la guerra.
“No hay destino que salve al ser humano del absurdo de su violencia.”

Sinopsis

Troya ha caído. El estruendo de las armas ha cesado, pero la tragedia apenas comienza. En la orilla del desastre, entre los restos humeantes de una ciudad vencida, un grupo de mujeres espera. No esperan justicia, ni redención: esperan su turno para ser entregadas como esclavas a los vencedores. Hécuba, reina sin reino; Casandra, profeta maldita; Andrómaca, viuda de un héroe; Helena, la que fue causa o excusa de la guerra.

Eurípides escribió Las troyanas en el siglo V a.C., pero su tragedia trasciende la historia. Es un grito contra la lógica de la conquista, una meditación sobre el sufrimiento que no genera épica, sobre el dolor que no tiene lugar en los relatos oficiales.

“La verdadera derrota no es la caída de una ciudad, sino la deshumanización de quienes sobreviven.”

Notas de dirección

Hoy, mientras nuevos imperios se levantan sobre cadáveres olvidados, esta obra resuena como una advertencia. En cada conflicto contemporáneo, las mujeres y sus hijos siguen ocupando el lugar de las troyanas: cuerpos desarraigados, voces que nadie quiere escuchar, vidas que se esfuman entre las estadísticas del horror.

“La violencia comienza cuando callamos a quienes quedan en el nuevo mapa.”

Las troyanas no ofrece esperanza, sino memoria. Nos obliga a mirar el reverso de la Historia y a preguntarnos qué queda cuando todo se ha perdido.

“El deseo de venganza nace allí donde el dolor no encuentra justicia ni consuelo.”

Memorias de Adriano es un espectáculo basado en la novela Memorias de Adriano de Marguerite Yourcenar. Este texto, mundialmente conocido, es un testimonio en primera persona de la vida del emperador romano nacido en España. Es, en términos literarios, una falsa autobiografía. En términos teatrales, por lo tanto, es una falsa personificación: Adriano no vive en el siglo II, aunque lo recuerde. Esta unión de planos es el universo de nuestro montaje. Con un lenguaje lleno de lirismo y con una admiración hacia su perfil helénico, Yourcenar recrea la figura de un mandatario tan sabio y magnífico como ciego y contradictorio. En ambos perfiles se dibuja el gesto de la soledad. Tomando este tema como columna vertebral del espectáculo, la directora Beatriz Jaén ha creado un espacio escénico en donde los ecos de esa soledad resuenan en la actualidad del poder, de la política y de la creación de una imagen pública. 

Lluís Homar es Adriano; Adriano es también Lluís Homar: actor de sí mismo en muchas circunstancias, incesante buscador de respuestas filosóficas y viajero espiritual. Su voz, a veces secreta y a veces ostensible nos guía a través de esa experiencia común: el peregrinaje del ser. Acompañado por un séquito que le cuida a la par que lo apresa, Adriano preparará el legendario discurso donde lega el poder a Marco Aurelio. Su memoria será el resultado su imperio, pero también la confesión de un hombre que ha tocado los límites de la experiencia humana. 

Memorias de Adriano es un espectáculo teatral que representa al mismo tiempo una emocionante película de romanos y el íntimo relato de un hombre en diálogo con su historia, con la Historia. 

La comedia trata sobre qué tipo de educación es mejor, una severa y rígida, u otra más liberal y abierta. Ambos modelos de educación están encarnados por los personajes de Démesa y Miccióna, dos viejas hermanas de temperamento muy diferente: mientras que la primera es una madre muy estricta y preocupada por sus dos hijos, Esquino y Ctesifonte, la segunda es un solterona jovial y permisiva, que ha adoptado a uno de sus sobrinos, concretamente a Esquino.

Esquino, el joven educado de manera liberal, se apodera de la cortesana Báquide, pero no lo hace para satisfacer sus propios instintos, como todos creen, sino para entregársela a su tímido hermano Ctesifonte, que no se atreve a obrar por miedo a su madre. En realidad, Esquino estaba enamorado de Pánfila, prototipo de muchacha pobre, pero virtuosa.

Al final, todo se descubre, y los dos jóvenes logran casarse con la muchacha a la que amaban: Ctesifonte, con la cortesana Báquide; Esquino, con la virtuosa Pánfila. Por su parte, la vieja Démesa renuncia a los viejos principios que habían guiado la educación de su hijo.

A partir de 12 años
Duración: 85 min. aprox.

Antígona, la estirpe maldita cierra la trilogía de las heroínas griegas, tras Elektra y Medea con las que Atalaya ha recorrido una treintena de países de cinco continentes. La riqueza de Antígona como obra radica en los cinco niveles del conflicto que se plantean: mujer insumisa frente a hombre patriarcal; ternura frente a fuerza; persona frente a la maquinaria del poder; vida frente a muerte; humanos frente a dioses… y especialmente un sexto nivel: el conflicto entre el derecho natural humano y las leyes inflexibles y monolíticas del Poder.

Esta versión parte el encuentro de la Esfinge con Edipo, padre de Antígona. Pone valor los personajes de Iocasta (madre de la heroína… y también de Edipo) así como Polinices y Eteocles, hermanos de Antígona. Esta puesta en escena que abarca en un solo espectáculo toda la estirpe tebana resulta única en las múltiples versiones escritas a lolargo de 25 siglos. Una veintena de ellas han influido en el texto final de nuestra obra. Se ha realizado una investigación escogiendo las tragedias griegas originales y, al tiempo, las versiones más expresionistas y vanguardistas de los últimos siglos.

Para celebrar los 38 años de Sa Boira, hemos escogido un magnífico texto griego de Eurípides:
Medea. Tras varios años sin poner en escena tragedias clásicas como Lisístrata, Las troyanas o Fedra que tantas alegrías nos brindaron, volvemos al universo trágico con una historia inmortal.

En esta ocasión presentamos la versión de Ramón Irigoyen, la misma que Núria Espert utilizó para dirigir a Irene Papas en el Festival Grec de Barcelona en 1992. Irigoyen dota al texto de un lenguaje claro y sorprendentemente actual, definiéndolo como “el orgasmo de la venganza”.

Antes de que comience la historia, todo está ya marcado por el dolor.

Situémonos antes de empezar: Medea, hija del sol y de la magia, lo entregó todo por amor a Jasón: su patria, su sangre, su familia y su corazón.

Por él cruzó mares, rompió leyes y traicionó su propio mundo. Hoy vive en tierra extraña, en Corinto, sola y herida. Jasón la ha abandonado por otra mujer: la hija de Creonte. El amor que la sostuvo se ha transformado en una herida abierta. Medea, traicionada y humillada, queda condenada al destierro y, entre la desesperación y la rabia, entre la soledad y la memoria de lo perdido, escucha crecer dentro de sí un fuego que no se apagará.

Desenterrando risas, construyendo humor Un Tal César de Marcel Tomàs despliega su genialidad cómica sobre el escenario. Dos personajes carismáticos —un arqueólogo y un operario con planes de construir un complejo turístico sobre unas ruinas romanas— provocan un conflicto hilarante, un viaje a la antigua Roma, donde revivirán figuras como Julio César, Cleopatra, Astérix o filósofos como Sócrates y Cicerón. Con humor inteligente, el espectáculo conecta pasado y presente (arquitectura, tradiciones, filosofía, historia, cultura). Una propuesta multidisciplinar con música, objetos, baile e improvisación, pero sobre todo mucho humor. Tomàs, junto a su inseparable Toni Escribano, nos regala una visión original y auténtica de la historia con risas aseguradas. Un espectáculo que conecta pasado y presente, construyendo humor y desenterrando risas.

Cansado de una guerra que se prolonga sin sentido, el viejo Trigeo decide subir al Olimpo, montado en un escarabajo gigante, para rescatar a la diosa Paz y devolver a la humanidad la posibilidad de vivir sin miedo. Escrita hace más de dos mil años por Aristófanes, La Paz atraviesa el tiempo como una comedia política que denuncia el absurdo del conflicto y celebra el valor de quienes se atreven a imaginar otro futuro.

En esta puesta en escena, el territorio de guerra se construye en escena, con cajas de munición, tubos de cartucho, redes y paracaídas que se transforman en obstáculos y posibilidades creativas. Entre lo grotesco y lo poético, el espectáculo convoca el cuerpo, la voz, el ritmo y la música como materia viva de resistencia y esperanza.

Espectáculo en portugués.

Asun Noales continúa investigando y desarrollando su universo desde una mirada plástica y un lenguaje físico, emocional, compositivo y poético.

En esta ocasión, apoyada en la dramaturgia junto a Luis Crespo, Asun Noales, se adentra en la mitología a través de esta fantasía de personajes que arrastran al público a un mundo inventado, mitológico y ancestral.

Prometeo es una historia compleja, narrada con gestualidad e intención. Una creación que nos permite retroceder dos mil quinientos años, para entendernos de nuevo, a través de referentes e imágenes simbólicas de la historia del arte.

Prometeo es una pieza que se construye a través de personajes del mito como Pandora, Zeus, Prometeo y sus criaturas. Es un viaje desde el mundo de los dioses, a través de la creación y la evolución humana. Emociones como la devoción, la lucha de poder, la debilidad, la manipulación y el perdón tienen cabida en esta obra física, vibrante, poética y política.  

La composición musical creada por el contrabajista Jorge da Rocha y la poderosa voz de Élénie Wagner envuelve la escena. El espacio escénico de Luis Crespo, nos transporta al imaginario del Olimpo.

Eurípides revolucionó el teatro haciendo un retrato muy humano de los antiguos héroes de la mitología clásica. Por primera vez, los llenó de dudas y de contradicciones. Aristóteles diría después que, así como Sófocles había pintado a sus personajes “como debían ser”, Eurípides los retrataba: “como eran en realidad”. En Medea asistimos a la planifi cación de un crimen que roza lo incomprensible: una mujer despechada planifi ca su venganza contra su marido y, con el fi n de provocarle el mayor daño posible, acaba asesinando a sus propios hijos. Pero Eurípides lo hace sin juzgarla. No la censura, no la simplifi ca diciendo que es un monstruo, no la esconde y la silencia, sino que le da voz. Efectivamente, muestra en toda su crudeza a un ser humano que razona mientras está secuestrado por su dolor y su orgullo. Desde luego, no es cómodo emprender el descenso abisal que Eurípides propone a la sima más profunda, oscura y fría del alma humana, pero a pesar de todo, el autor griego que puso las bases del teatro que ha llegado hasta nosotros, sabe hacerlo con un lenguaje hermoso, cargado de imágenes y refl exiones vitales imperecederas.

Medea sigue conmocionándonos, no sólo por lo que cuenta, sino por cómo lo hace y desde dónde. Quizás un ejemplo del pesimismo desolador que atraviesa la pieza sean las palabras postreras de uno de los criados: “no es la primera vez que considero la condición humana una sombra y, de los mortales, aquellos que se creen cargados de razones, ésos son los que acaban cometiendo los peores crímenes.”

Iñaki Rikarte

Madre de todas las historias, cuenta el viaje de regreso del héroe, Odiseo, después de la guerra a su hogar, a Ítaca. Y todas las aventuras y encuentros que suceden en este viaje. Mientras, Penélope lo espera tejiendo y destejiendo en su telar.

No es la primera vez que abordamos esta gran historia, pero en esta ocasión queremos poner la atención no solo en nuestro héroe, sino también en Penélope y en todas esas mujeres, diosas o monstruos que se cruzan en su camino y que urden la trama para que llegue a su destino. De manera que es ella, PENÉLOPE, la que nos contará su versión.

Una oportunidad para reflexionar en los diferentes arquetipos de mujer que Odiseo encuentra en su viaje desde una perspectiva clásica y cómo esta ha evolucionado hasta llegar a nuestros días, unos 3000 años después. También su papel en el desarrollo de la trama. Siempre presentadas en torno al universo del telar, tejiendo y cantando.

¡QUÉ OSADÍA!