Hipólito es un clásico contemporáneo, cuya lectura es radicalmente interesante hoy. El enfrentamiento entre el amor que siente Fedra por Hipólito la llevará al suicidio empujada por la intolerancia de Hipólito y por el qué dirán. La derrota de una mujer avergonzada por amar, frente a la intolerancia de un hombre que dice que “ojalá os muráis todas” las mujeres, expresa con claridad la lucha hombre
mujer, en la que la mujer pelea siempre en desventaja.

Hace muchos años leí la definición de Arte Clásico que daba un gran erudito helenista cuyo nombre ahora ya no recuerdo: “Una obra es clásica, (decía) cuando no hay en ella ningún resto del esfuerzo que conlleva todo proceso creador”. En ese caso, pensé, sólo es clásica la puesta de sol, el vuelo majestuoso de un águila en el cielo sin límites o el baile de los astros en el universo. En definitiva, algo siempre inaccesible a los artistas mortales. Este espectáculo es la mirada de un cómico español sobre la tragedia griega, un cómico que ha sobrevivido y sobrevive para hacer reír constantemente a su público. No sé qué será del resultado, pero de momento… estoy feliz. Y que ustedes lo disfruten.

Nancho Novo e Yllana unen sus fuerzas para crear una disparatada, gamberra y divertidísima versión de Ben-Hur, inspirada en la mítica película de 1959. Con un ritmo trepidante y un ingenio visual que ellos han definido como Teatromascope, el montaje les permite acercar tan épica historia al espectador de hoy en día sin perder un ápice de su grandiosidad gracias a un juego constante entre el lenguaje cinematográfico y el teatral.

Tras diez años de guerra, Tito Andrónico regresa al fin a Roma, victorioso y con la reina goda Tamora y sus tres vástagos como prisioneros. Después de sacrificar, tal y como ordenan los ritos sagrados, al mayor de ellos, Tito solo aspira a buscar tranquilidad y reposo, pues bajo su duro gesto de general triunfante, vive también un hombre con el alma fatigada por la dureza de la contienda y la temprana muerte de la mayoría de sus hijos. Solo cinco quedan a su lado y, entre todos ellos, no puede disimular su devoción por Lavinia, en quien ve la esperanza de un futuro que quizá pueda escapar a la violencia que lo ha acompañado a lo largo de su vida.

Poco durará, sin embargo, la calma: enseguida se verá obligado a interceder en las intrigas políticas entre Basiano y Saturnino, dos hermanos enfrentados por su derecho a la corona del Imperio. El voto de Tito a favor de Saturnino precipitará una cadena fatal de hechos que convergerán, siempre, en un instinto tan universal como peligroso: la venganza.

Se dice de Tito Andrónico que es la obra más violenta, la más brutal de Shakespeare. Lo es sin duda desde el punto de vista numérico: hay multitud de asesinatos, hay mutilaciones y también hay una violación. Pero lo que hace fascinante este texto no son los actos violentos, sino los mecanismos que llevan a esa violencia y la medida en la que se ejerce. Cómo sus personajes, independientemente de sus motivaciones (o justificaciones), utilizan la violencia en el mayor grado que su ingenio y su circunstancia les permiten. ¿Por qué no se detienen? ¿Por qué no buscan un mecanismo de justicia? Tal vez sea porque su dolor personal les hace perder la perspectiva, o tal vez haya un instinto más oscuro. Tal vez infligen todo ese dolor porque pueden.

Nando López / Antonio Castro Guijosa

La corte de Faraón es una zarzuela denominada opereta bíblica en un acto y cinco cuadros. Se estrenó en Madrid en el Teatro Eslava el 21 de enero de 1910, con libreto de Guillermo Perrín y Miguel de Palacios y música de Vicente Lleó, allí disfrutó de más de 700 representaciones, convirtiéndose en una de las 5 zarzuelas más representadas. Está basada en una obra francesa sobre el episodio bíblico del casto José y la esposa de Putifar.

Desde su estreno no ha dejado nunca de representarse, algunas veces de manera oculta (ya que las representaciones fueron prohibidas durante la dictadura franquista, por su tono erótico e irreverente), y ya una vez en plena democracia, en múltiples salas tanto profesionales como amateurs. Es sin duda, junto a La verbena de la paloma, la zarzuela más conocida por el público en general, incluso para los que no conocen prácticamente nada de este género musical.

Proponemos una nueva versión, basada naturalmente en el tan conocido original, en donde la representación de la trama se ve alterada por distintos accidentes y acontecimientos ajenos al argumento del libreto, y llevándolo a un terreno algo más actual.

Una nueva orquestación de los temas más populares con guiños musicales incluidos puede ser un buen método para hacer que el público salga entonando esas canciones inolvidables. Un giro hacia el musical y la revista más moderna, con vestuario y coreografía afines a nuestras intenciones y una adaptación que intentara sacar el polvo a una obra, ya de por si inmortal, para reconvertirla en un nuevo hit, si es posible, siempre que el tiempo y las autoridades no lo impidan.

La versión de Mary Zimmerman de las Metamorfosis de Ovidio es una deslumbrante joya que recoge algunos de los más conocidos mitos y leyendas que escribiera el poeta romano en su obra maestra. Zimmerman juega con este prodigio literario con un amor y un cuidado casi reverencial, intentando respetar en todo momento la belleza del lenguaje de Ovidio, pero al mismo creando una obra absolutamente personal que rejuvenece y moderniza la narración de esos versos. Consigue así un texto fascinante, divertido y emocionante que se ha convertido en un pequeño clásico contemporáneo galardonado con multitud de premios, entre los que destaca el Tony a la mejor obra teatral en 2002.

Ovidio y Zimmerman nos cuentan historias de dioses, héroes, reyes y guerras, pero también de amor, venganza, ambición, locura, celos y de las más desatadas pasiones; Metamorfosis nos habla en realidad de la vida, de cómo los seres humanos conviven con sus deseos y sus miedos. Zimmerman nos cuenta que nuestro mundo también hoy está lleno de Midas, Faetones, Orfeos y Apolos, demostrando que la vigencia de las historias de Ovidio sigue hoy inalterable.

Una obra tan especial como ésta se merecía tener un gran reparto, y podemos asegurar, sin ninguna duda, que lo hemos conseguido. Pocas funciones en los últimos años en nuestro país han contado con una compañía de actrices y actores tan brillante como el que va a protagonizar estas Metamorfosis. Poder verlos juntos a todos sobre el escenario del teatro romano de Mérida es por si solo un acontecimiento del que estoy seguro se hablará durante mucho tiempo.

METAMORPHOSES was originally produced by Lookingglass Theatre Company, Chicago. METAMORPHOSES is produced by special arrangement with Bruce Ostler, Bret Adams Ltd., 448 West 44th Street, New York, NY 10036. www.bretadamsltd.net

La obra es un viaje hacia un recuerdo. El de un hombre atormentado por lo que hizo sacrificando su vida al entregar el fuego a los hombres y que durante siglos se pregunta: ¿valió la pena?

El Anciano parte de un hoy, incluso de un hoy futurible, desde el momento donde todo ya ha pasado: guerras, esclavitudes, crisis, injusticias, fracasos de las ideologías, de las religiones, etc.

Busca desesperadamente lo que hay de positivo en el desarrollo de la humanidad. Con tanto horror y podredumbre coexisten Galileo, Bach, Shakespeare, Fleming, Curie, Picasso… y tanto a otra parte de la misma humanidad cuya estela se va deshaciendo (“ardiendo” según nuestro poeta).

Aparentemente el conflicto de la obra es si Prometeo joven confesará su secreto: el final de Zeus. Pero el verdadero eje de la obra es la indagación en el recuerdo por este Anciano, tratando de reavivar las razones que impulsaron su acto. Razones que se han ido diluyendo con los años, desdibujando, dejando de tener fuerza. Trata de buscar, recuperar, la pasión de aquel joven héroe que fue. Reavivar sus sueños, el espíritu que le sostenía e impulsaba y resolver la pregunta… ¿valió la pena? Pregunta aún sin respuesta que le está llevando al escepticismo, a la apatía, a un cinismo destructivo en el que no quiere caer.

Tener la capacidad de ver desde el hoy toda nuestra historia le da una enorme lucidez, sentido del humor y como decía Steiner al morir Dios para la sociedad contemporánea conllevó la muerte de la tragedia, como tal. Por eso él la revive. Pero, por otra parte, el mito de Prometeo está basado en una leyenda épica, pero el carácter lírico del texto de Luis García Montero lleva a trabajar la parte del castigo (Coro y demás personajes) con ese carácter de tragedia griega, donde la Compasión y la Libertad, por ejemplo, son conceptos eternos –compañeras de viaje de El Anciano– y no personajes psicologistas. Trabajando desde la verdad orgánica de las emociones, sensaciones y creencias, intentar llegar a ese “estilo” –por llamarlo de alguna manera– donde el texto tenga una presencia extrema.

Prometeo es un joven que soñó una historia.

José Carlos Plaza

Antígona encarna el conflicto entre la conciencia y la obediencia: entierra a su hermano aunque contradice la ley. Con el rigor intransigente con el que actúa, porque está convencida de que está haciendo lo correcto, convierte a Antígona en una de las figuras teatrales más famosas de la historia.

Antígona es la hija de Edipo. Sus dos hermanos se mataron en la batalla por la ciudad de Tebas. El cadáver del asaltante Polinices no debe ser enterrado por orden del rey Creonte, sino que debe arrojarse a las aves en busca de comida frente a las murallas de la ciudad de Tebas. Esa es la nueva ley. Pero Antígona siente que la voluntad de los dioses no se toma en cuenta en este mandamiento y entierra secretamente a su hermano en la noche. Ella sabe que por su insubordinación tiene que esperar la pena de muerte. Cuando se encuentra a Polinices cubierto de tierra y polvo por la mañana, los guardias lo desentierran, con lo cual Antígona lo entierra de manera demostrativa a plena luz del día. Creonte es indignante, pero Antígona se enfrenta a él. Por su orden, ella es castigada, enterrada viva.

Sófocles, poeta, político y sacerdote, creía en la musa del poeta, en la compasión de los dioses, pero también sabía como político que era cómo librar guerras y qué significa exigir obediencia por la fuerza. Sófocles podía identificarse con Antígona, así como con su tío Creón, el rey de Tebas. «El ciego ve, y el ver es ciego», por esta razón, Sófocles también le permite a Creonte llegar a la intuición con la ayuda del profeta ciego Tiresias. El vidente profetiza la muerte de un miembro de la familia si el Rey mantiene su plan de que Antígona sea amurallada con vida. Creonte quiere seguir el consejo de los sabios, pero es demasiado tarde. Antígona ya se ha ahorcado en su celda; El hijo de Creonte, Hemón, el prometido de Antígona, se ha clavado su espada por el dolor; Eurídice, la esposa de Creonte, no ha lidiado con la muerte de su hijo y también se ha suicidado. Y solo ahora Creonte realmente cambia de opinión y se da cuenta de que estaba equivocado.

Fascinados por la reflexión atemporal de Sófocles sobre la naturaleza humana, decidimos crear Antígona con nuestra compañía, Víctor Ullate Ballet, para el lugar único del antiguo teatro romano de Mérida. Abrumados por la riqueza de pensamientos y sabiduría que Sófocles expresó en esta tragedia cruel y arcaica, lo que más nos interesa son los sentimientos tan antiguos como la humanidad misma. Principalmente inspirados por el conflicto de cada figura, confiamos en el poder de la danza: como ninguna otra forma de arte, permite abrir la entrada a las esferas de las emociones universales. Como siempre, la pregunta eterna es sobre el destino: «Lo que el destino le ha reservado a cada persona es imposible de evitar».

Víctor Ullate

Dionisio, el dios griego del teatro, el vino, el éxtasis y la fertilidad. De todos los inmortales que integraban el convencional panteón helénico, es con mucho el que ha gozado de más larga vida; su presencia está ya atestiguada en los primeros documentos escritos en lengua griega (las tablillas micénicas de hace más de tres mil años) y perdura hasta nuestros días en la filosofía de Nietzsche (El nacimiento de la tragedia), la novela de Thomas Mann (Muerte en Venecia), la película de Visconti (Teoreme) o la novela de Vargas Llosa (Lituma en los Andes). Dionisio, nos concede a los humanos la felicidad suprema de la bacanal que nos conduce “a poner las almas en común”. Dionisio, chorrea sobre la tierra vino y abre a los humanos su paraíso salvaje, la alteridad, lo que está prohibido. Se da a todos (mujeres y hombres); es el dios a la vez transgresor, pero también la llama viva que busca la paz. Es un dios errante que navega sin rumbo, generador de danzas frenéticas, pero también es el perseguido, el sufriente y el moribundo, y todos los que le acompañan y son rozados por su amor deben compartir con él su ¿trágico? sino. Dionisio ha celebrado su último renacimiento, generando utopías que oscilan entre la sabiduría trágica y el nihilismo narcótico, pero siempre renace con eros en forma de luz.

Pericles, príncipe de Tiro, la más épica de las obras de Shakespeare, una historia miliunanochesca en la que el azar y la fortuna juegan un rol protagónico. Un largo y enrevesado relato de aventuras repleto de tumultos melodramáticos que se completan con un rey tiránico, una malvada madrastra, una heroína virtuosa, piratas, combates, naufragios, escenas de burdel, curas mágicas, resucitaciones y, claro está, un final feliz. Una verdadera fiesta para los espectadores. Gracias a un director de escena como Hernán Gené, acostumbrado a llevar al espectador a lugares inesperados, el espectáculo echa mano a todos los recursos de su dúctil elenco, manteniéndose fiel a al espíritu original de la obra y a los giros de la trama. Escrita en el tramo final de su vida, Pericles, príncipe de Tiro –emparentada directamente con Cimbelino, Cuento de invierno y La tempestad–, la función se muestra como la obra maestra que es: un drama abierto donde la relación causa-efecto es rota constantemente, las convenciones de género abandonadas, y la ilusión dramática fragmentada repetidamente por saltos en el tiempo y cambios súbitos en el estilo narrativo. Un Shakespeare casi desconocido para el público del siglo XXI, siempre clásico y siempre contemporáneo.