Miles Gloriosus, un militar fanfarrón, pagado de sí mismo, obsesionado por el sexo y narcisista, ha raptado a una bella joven y la tiene en su casa de Éfeso, donde vive también Geta, un esclavo a su servicio que ya conocía a la joven de antes y también al hombre del que verdaderamente está enamorada, y que por supuesto no es Miles.

Geta, deseoso de dar un escarmiento a su amo el militar y ayudado por un vecino que también quiere darle un escarmiento a Miles, –y es que, en Éfeso, casi todo el mundo quiere darle un escarmiento a Miles Gloriosus–, hace un agujero en la pared que comunica la casa del vecino con la del militar, de manera que los amantes puedan verse en secreto.

Todo se complica cuando los amantes son descubiertos por otro de los esclavos de Miles, que se dispone a ir a contárselo a su amo. Esto obligará a Geta a convencer al otro esclavo de que no ha visto lo que ha visto, recurriendo a un truco desternillante donde Geta nos deslumbra con su descaro y su ingenio.

El astuto Geta no se conforma con eso y aprovechando la obsesión de Miles por el sexo, trama un brillante plan….

Duración: 95 minutos.
Edad recomendada: mayores de 7 años.

La Orestíada de Esquilo, escrita en el siglo V a. de C., es una de las mayores obras del teatro griego antiguo, y la única trilogía que se conserva del teatro de esta época.

En 1966 el dramaturgo griego Alexis Solomos le encarga a Xenakis la música para una nueva producción de la Orestíada, y de esta forma comienzan a trabajar conjuntamente con la aspiración de reconstruir, a través del prisma de su época, los sonidos de la antigua Grecia.

“El antiguo drama no puede expresarse con música tonal o atonal como el serialismo. Este tipo de música es típico de otra época”, explica Xenakis, quien escribe una música fascinante, llena de contrastes y colores. “Cantos y danzas colectivos, invocación de Júpiter: orden = desorden, locura, gritos, metales, voces con ritmos diferentes…”, escribe Xenakis en su partitura; quien también explica en diversas cartas a Solomos que la interpretación histérica y caótica del coro, intenta producir un sonido similar al de las manifestaciones de la década de 1940 contra las ocupaciones de Italia y Alemania en Grecia.

Una obra que bascula entre los conflictos de la tragedia griega y los de la Grecia del siglo XX, entre el equilibrio y el caos; todo ello bajo una atmósfera de moderno ritual primitivo.

La Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza – “Grupo Enigma” (OCAZEnigma), fundada en 1995, es una de las orquesta de cámara de referencia del panorama nacional. Agrupación residente del Auditorio de Zaragoza desde sus inicios, la OCAZEnigma se ha consolidado a través de una programación audaz en continuo estado de cruce, donde la tradición entra en diálogo con las nuevas formas de expresión contemporáneas.

Para este concierto en el Festival de Mérida la OCAZEnigma, junto con el barítono polaco Maciej Nerkowski y el Ensemble Vocal Teselas, sumarán fuerzas con el coro infantil extremeño Coro Amadeus-IN. Todos ellos bajo la dirección de Asier Puga. Casi un centenar de músicos para dar vida a una obra que bascula entre los conflictos de la tragedia griega y los de la Grecia del siglo XX; entre el equilibrio y el caos; todo ello bajo una atmósfera de moderno ritual primitivo.

PROGRAMA

Iannis Xenakis (1922-2001)
Oresteïa [1965-66]
Agamemnon
Kassandra [1987]
Agamemnon
Les Choéphores
Le Déesse Athéna [1992]
Les Euménides

Duración: 75 minutos.
Edad recomendada: para todos los públicos.

Cayo es un bailarín que ofende a Nerón en una de sus famosas bacanales, por lo que el emperador le condena a muerte. Por suerte logra escapar y planea ocultarse en una escuela de baile al tiempo que persigue su sueño de ser un gran saltator. Pero se confunde de casa y acaba en la escuela de gladiadores del senador Pisón.

El equívoco llevará a Cayo, sin pretenderlo y casi sin saberlo, a formar parte de una conspiración contra Nerón, a ocasionar el declive de los juegos de gladiadores, y a revolucionar el teatro, la música y la danza. Y a provocar muchas, muchas risas.

Duración: 150 minutos con descanso.
Edad recomendada: Para todos los públicos.

Nota importante: Para público adulto (temática sexual explícita).

Samaruc teatre es un grupo amateur con más de 25 años de existencia, compuesto en su mayor parte por actores con discapacidad visual. Forma parte de la Asociación Cultural Teatronce. El proyecto nace con el objetivo de trabajar por la visibilización y la integración de las personas con discapacidad a través del teatro, ofreciendo al público obras de calidad, por lo que desde su creación siempre ha habido un profesional en la dirección. En estos momentos dirige el proyecto Begoña Sánchez. A lo largo de su historia ha participado en numerosas ediciones del SARC (Servei d’assistència i recursos culturals), así como colaborado en los actos de diferentes fallas y asociaciones culturales.

SINOPSIS

Las mujeres están solas en sus casas. Así pasan los meses y los años mientras los hombres gastan el dinero público y sus energías en estériles guerras.

Hartas de vivir de esta manera, las mujeres deciden utilizar medidas de presión muy duras para acabar con esta situación.

Duración: 1h 25 min.
Edad recomendada: mayores de 18 años.
Avisos: Temática sexual explícita.

“Antígona, en verdad, no se suicidó en su tumba, según Sófocles, incurriendo en un inevitable error, nos cuenta.” Con estas palabras inicia María Zambrano su obra La tumba de Antígona (1967), una pieza teatral que aúna filosofía y literatura. En esas palabras iniciales se despliega el sentir zambraniano en todo su esplendor: esperanza, tiempo, delirio, amor.

Esperanza como el último sustento de la vida que permite germinar en conocimiento; tiempo para que la conciencia despierte; delirio para encontrar vínculos con la realidad cuando la realidad impide enraizar en ella la existencia; amor como sueño y sacrificio y promesa.

Estos ingredientes cuestionan el canon de manera radical, pues que Antígona no sólo no se quita la vida, sino que encuentra espacios de tiempo en su delirio con los que poder renacer. ¿No estamos acaso ávidos de nacer del todo? ¿De encontrar razones del corazón a la sinrazón de los tiranos? ¿No tendremos enterrada viva una Antígona cada una de nosotras?

Duración: 1h 40 minutos.
Edad: Público adulto. Mayores de 18 años.
Avisos especiales: Desnudo parcial.

“Antígona, en verdad, no se suicidó en su tumba, según Sófocles, incurriendo en un inevitable error, nos cuenta.” Con estas palabras inicia María Zambrano su obra La tumba de Antígona (1967), una pieza teatral que aúna filosofía y literatura. En esas palabras iniciales se despliega el sentir zambraniano en todo su esplendor: esperanza, tiempo, delirio, amor.

Esperanza como el último sustento de la vida que permite germinar en conocimiento; tiempo para que la conciencia despierte; delirio para encontrar vínculos con la realidad cuando la realidad impide enraizar en ella la existencia; amor como sueño y sacrificio y promesa.

Estos ingredientes cuestionan el canon de manera radical, pues que Antígona no sólo no se quita la vida, sino que encuentra espacios de tiempo en su delirio con los que poder renacer. ¿No estamos acaso ávidos de nacer del todo? ¿De encontrar razones del corazón a la sinrazón de los tiranos? ¿No tendremos enterrada viva una Antígona cada una de nosotras?

Duración: 1 hora 40 minutos.
Edad recomendada: mayores de 18 años.
Avisos especiales: desnudo parcial.

Cayo César. El más cuerdo de los locos es un drama en un solo acto del escritor Agustín Muñoz Sanz producido por Atakama Creatividad Cultural para la 66 edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida, con la dirección de Jesús Manchón. 

La obra se adentra en la etapa pública más conocida del tercer emperador romano y heredero de Tiberio. Cayo César es más conocido como Calígula, un apelativo infantil puesto por las tropas legionarias al mando de su padre Germánico. Muñoz Sanz presenta a un personaje peculiar: irreflexivo, caprichoso, histriónico, extravagante, cruel, vengativo, amoral e inmoral. Un loco para muchos. Cayo Julio César Augusto Germánico (12-41 d. C.) gobernó durante casi cinco años (marzo de 37 a enero de 41 d. C.) sin dejar, para los historiadores, acciones políticas, militares o culturales de calado. Pero tuvo tiempo suficiente de aterrorizar a las élites de Roma (patricios y senadores) y al pueblo con sus graves decisiones, sin freno que las contuviera. 

El modelo de gobernante que el autor propone le sirve para reflexionar, y trasladar al espectador su inquietud, sobre la maldad y las consecuencias del poder ejercido sin escrúpulos ni límites éticos o legales. Un viejo asunto de la época imperial, previo y posterior, que sigue vigente en el siglo XXI.

Duración: 90 minutos.
Edad recomendada: mayores de 13 años.

El verdadero interés de los mitos griegos es que la cultura del mediterráneo hizo a sus dioses a su imagen y semejanza, algo que no había ocurrido en otras culturas. Los griegos eran más realistas y existía una relación entre los seres humanos y los divinos. Los griegos nos transportan a una época en que la relación con la madre tierra y el hombre era evidente, abierta y sin precedentes.

En este trabajo de lujo hay amor, humor y una esencia: el teatro es vida y es, además, divertido. En este juego que va de los dioses a lo divino es donde podremos disfrutar de la elegancia del maestro Rafael Álvarez El Brujo y su dominio de las tablas, de esa mitología que ya hemos presentado como un mundo animado y apasionado.

“Las suplicantes”, tragedia con nombre plural femenino, es un viaje al pasado para reencontrarnos como seres humanos. En este periplo entrelazamos las historias de dos manuscritos que comparten un mismo título: Las Suplicantes de Eurípides y Las Suplicantes de Esquilo. Dos historias trágicas, dos grupos de mujeres (hijas de oriente y madres de occidente) que, junto a hombres de labios libres y en situaciones de angustia, resuelven conflictos tan humanos como el derecho al propio cuerpo, el derecho de asilo y el derecho a dar digna despedida a los muertos.

Lo primero que dejará perplejo al espectador es la modernidad de los planteamientos de la obra. Corrupción, lujuria, codicia desorbitada y unos personajes que creados hace 21 siglos nos miran y nos dicen: soy como tú. Y sí, yo soy Panfilo y soy como tú, pero también soy un Benny Hill mirando las piernas de una enfermera, y Harpo Marx corriendo detrás de una corista, y quizás sea como ese irresistible Don Juan que tantos descalabros morales cometió y de cuya memoria se guarda respeto gracias al perdón obtenido en la Confesión. Lo malo del protagonista es que no reúne los atractivos del personaje de Zorrilla pero sí suficiente riqueza para saltar despreocupado de un lecho a otro.