SINOPSIS

En la antigua República de Roma, a raíz de una hambruna, el pueblo, o plebeyos, se rebela contra los patricios, la clase dirigente. En respuesta a sus protestas y tras un encuentro del pueblo con el aristócrata Menenio, los patricios conceden al pueblo dos representantes (tribunos) en los asuntos públicos, una decisión que provoca la ira del orgulloso militar patricio Cayo Marcio que no siente sino desprecio por las clases bajas. En ese momento, estalla la guerra con una vecina tribu italiana, los volscos, guiados por el gran rival de Cayo Marcio, Tulio Aufidio. Los volscos son derrotados y Roma toma la ciudad italiana de Corioles gracias al heroísmo de Marcio. En reconocimiento a sus grandes hazañas, a instancias de las recomendaciones de su madre Volumnia, a Cayo Marcio se le concede el nombre de Coriolano.

A su regreso a Roma, Coriolano recibe la bienvenida de un héroe, y el Senado se dispone a nombrarle cónsul. Con el fin de obtener este cargo, según marcan las costumbres, Coriolano ha de salir a pedir los votos de los plebeyos, una tarea a la que se compromete a regañadientes. Al principio, la gente común se muestra dispuesta a darle sus votos, pero luego revierte su decisión ante la insistencia de los tribunos, Bruto y Sicinio quienes consideran a Coriolano un enemigo del pueblo. Coriolano es incapaz de controlar su orgullo herido y en un arrebato de furia cuestiona la soberanía misma del pueblo. Bruto y Sicinio lo declaran traidor al Estado romano y Coriolano es condenado al exilio.

Deseoso de vengarse, Coriolano pide asilo en la patria de sus enemigos, los volscos, y hace las paces con su líder, Aufidio. Entre ambos planean una nueva campaña contra Roma. Su ejército procede a marchar sobre Roma, lanzando ataques contra las poblaciones vecinas y sumiendo a la ciudad en el pánico. Muy pronto Aufidio y Coriolano están acampados fuera de las murallas de la ciudad. Su viejo amigo Menenio le pide misericordia pero Coriolano se niega a escucharlo. Sin embargo, cuando Volumnia le ruega hacer la paz, Coriolano, tras el conmovedor discurso de su madre, se arrepiente de sus actos y sella su destino.

Nota del director

Imagínate en Atenas. Un joven fogoso con las hormonas alborotadas. Se enamora de una esclava. La esclava, lo es de una cortesana. La cortesana tiene un amante. El amante es el hermano mayor del joven fogoso, que quiere hacerle un regalo. A la cortesana. Por eso, le compra un eunuco. Pero aún no se lo ha dado. El joven se entera. De lo del regalo, de lo del eunuco. Y, como acceder a la casa de la cortesana para poder enamorar a la esclava, tarea fácil no es, decide suplantarlo, reemplazarlo. Al eunuco.

¿Te lo imaginas? Imagínatelo.

Y, a todo eso, ahora añádele un criado que no quiere, y una criada que no se entera, y un soldadete enamorado de un generalete, y un generalete que no sabe, que duda, que si carne que si pescado, y un cilindro, –bueno, no, un cilindro no. Un hombre, pobre, que así se llama, Cilindro–, y pasillos, súmale muchos pasillos.

¿Lo tienes?… ¡Bien!… Pues, si llegados a este punto, aún no tienes la cabeza hecha un lío, ahí va el acertijo: Todo esto, junto… ¿qué es?…

Va, te damos una pista… Drama, no es. Solución: EL EUNUCO, de Terencio. Esta vez en una versión divertida, trepidante y felizmente libre de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez. Nueve personajes enloquecidos por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo, los celos y los equívocos (¡tantos equívocos!). Nueve personajes, sí. Y otras tantas historias que se entrecruzan en un montaje que transita sin rubor por el teatro clásico grecolatino y el musical, la comedia de situación y el vaudeville. Nueve personajes, otras tantas historias y un ritmo endiablado en lo que pretende ser y será toda una fiesta de principio a fin.

Pep Anton Gómez

Pluto, lentejas y libertad

Pluto, el dios del dinero, va cantando ciego por las calles. Está triste porque no sabe a quién se da. Quisiera repartirse con justicia entre toda la gente honesta… Los que no lo tienen lo reclaman, y los que ya lo tienen no lo quieren soltar. Pero Crémilo, un agricultor arruinado, le devuelve la vista. Y empieza la fiesta. Un sueño para unos, una pesadilla para otros…

Pluto, es la historia de una utopía, del sueño del reparto justo de la riqueza, del dinero, es decir de Pluto. Ahí es nada. Ya le preocupaba a Aristófanes en el siglo IV antes de Cristo. Le preocupaba en un país mediterráneo donde la democracia perdía pie. Donde la corrupción de sus políticos era alta, alto el nivel de pobreza y baja, muy baja, la posibilidad de conseguir al menos un plato de lentejas. Donde algunos ciudadanos se hacían esclavos para trabajar y así poder comer… Atenas hace ahora 25 siglos. Aristófanes no es nuestro contemporáneo, nosotros somos ahora contemporáneos de Aristófanes. Si el humor nos democratiza porque la risa sana nos hace perder el sacrosanto respeto a los dogmas sociales, Pluto es humor del bueno porque además nos hace reflexionar. Un humor ácido, satírico, deslenguado, que nos invita a la fiesta. A la fiesta de la utopía. Una fiesta donde la pobreza esté erradicada y la riqueza, es decir Pluto, lejos de abusos, de exclusiones, de trampas, de mentiras…

¿Se imaginan?

Magüi Mira

SINOPSIS

Aristófanes vivió, a finales del siglo V a. C., una profunda crisis del Estado. Él, siempre a través del humor, animó a sus conciudadanos a analizar las causas de la crisis, identificar a los responsables y buscar energías para un resurgimiento en un pasado anterior a la misma.

En este caso, la excusa para esa mirada es el propio teatro. Nos cuenta Aristófanes que Baco, harto de la deplorable calidad del teatro, decide ir al Inframundo para resucitar a Eurípides. Es un camino trufado de enredos, exageraciones grotescas, mitología burlesca y metateatro que llevará al espectador, entre risas y sonrisas, a disfrutar de un texto escrito hace más de 2.500 años pero que nos resulta hoy de rabiosa actualidad.

SOBRE EL AUTOR

Aristófanes (Atenas, 444 a.C.-385 a.C.), uno de los grandes dramaturgos griegos, fue el principal exponente del género cómico. Después de un largo periodo de esplendor en Atenas, vivió, tras la derrota ante Esparta en la Guerra del Peloponeso, un tiempo de crisis. Sin embargo, también disfrutó después del resurgimiento de la hegemonía ateniense a comienzos del siglo IV a. C.

En sus textos refleja su pensamiento político, de tendencia conservadora: prefería el mito frente a la filosofía. Detestaba especialmente a Sócrates (a quien presenta como un demagogo) y a Eurídipes (a quien acusa de degradar el teatro).

“Mérida, el gran teatro del mundo” es un documental sobre el teatro que hubo, que hay y que habrá.

Un documental que recorre el pasado, el presente y el futuro del teatro en nuestro país, con motivo del 60 aniversario del Festival de Teatro Clásico de Mérida.

Utilizando como hilo conductor el monumental Teatro Romano de Mérida, una de las joyas del patrimonio español, viajaremos a los principales teatros de España, sus edificios y todo lo que en ellos se ha representado en los últimos 80 años.

Actores, autores, directores, productores, escenógrafos, maquilladores, diseñadores de vestuario, peluqueros, periodistas, historiadores… todos tienen cabida en un documental que no sólo pretende hablar de teatro, sino que lo que busca es mostrarlo en todas sus facetas. Desgranar cada obra para mostrar al espectador todo lo que rodea a las producciones teatrales.

Desde el mejor lugar posible para hablar de Teatro, el graderío del Teatro Romano de Mérida, nosotros, que sí besamos su piedra antes de marcharnos la última vez, contaremos al espectador cómo y dónde nació el teatro y cómo ha evolucionado hasta nuestro siglo, creando el contexto propicio para entender lo que fue, ha sido y está siendo el teatro desde el inicio de nuestro relato, 1933, hasta nuestros días, desgranando las opiniones de los expertos para tratar de perfilar el futuro del Teatro en nuestro país.

“Mérida, el gran teatro del mundo” no sólo se centra en el contexto y en los datos históricos, sino que nace con la única pretensión de ser el homenaje que el teatro español, en pleno S. XXI, se merece.

ESPECTÁCULO EN GRIEGO CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO

SINOPSIS

Cincuenta y tres días de combate, tan sólo eso fue la guerra de Troya. Homero nos muestra cómo los Aqueos sitiaron la ciudad de Troya durante nueve largos años sin resultado alguno. Es entonces cuando Aquiles entra en cólera ante la actitud injusta de Agamenón, comandante del ejército, y decide retirarse del campo de batalla. Así comienza la historia de la Ilíada, observada por los dioses desde lo alto mientras juegan, según sus afectos y pasiones, con el destino de los guerreros.

La decisión de Aquiles hace que los Aqueos afronten el momento más crítico de la sangrienta contienda. Héctor, hijo de Príamo (rey de los Troyanos) intentará entonces incendiar las naves para que los enemigos no puedan regresar con vida. Pero cuando su compañero Patroclo cae muerto a manos de Héctor, Aquiles vuelve a la batalla con sed de venganza. El feroz enfrentamiento entre los dos grandes enemigos, Héctor y Aquiles, resultará trágico.

Sólamente frente al cadáver de Héctor se producirá la reconciliación entre el joven Aquiles y el sabio Priamo. Homero quiso que en esta guerra no hubiera vencedores ni vencidos.

La producción de esta Ópera nace del recién creado Taller de Ópera del Conservatorio Superior de Badajoz “Bonifacio Gil”, impartido por las profesoras Sara Garvín y Mª Jesús Delgado, y cuenta en esta ocasión con la dirección musical de Santiago Pereira Buscema. Se ha optado por una interpretación con criterios históricos acorde con la práctica interpretativa de la época, utilizando en algunos casos arcos e instrumentos barrocos, como el clave y las flautas de pico.

La Obra

Dido y Eneas es desde el punto de vista dramático una de las mejores obras de Henry Purcell, y una de las primeras óperas enteramente cantada en inglés que se conserva, junto a Venus y Adonis de J. Blow. El lenguaje musical de Purcell aúna diversos estilos musicales. La obertura y las danzas son de estilo francés, los coros tienen un color inglés, mientras que otros fragmentos tienden hacia lo italianizante. Al Igual que conviven varios estilos musicales, también lo hacen los diversos géneros dramáticos de la época. En esta Ópera está presente lo
pastoral y bucólico (las damas), lo heroico (Eneas), lo cómico (los marineros) y lo grotesco (las brujas). Finalmente encontramos la tragedia en la intensa figura de Dido a quien Intenta moderar su dama Belinda de personalidad templada y positiva. Dido y Eneas reúne así los componentes para ser un espectáculo rico y variado, dramáticamente convincente y cuya música se complementa a la perfección con la historia.

Medusa, símbolo de pureza y hermosa sacerdotisa del templo de Atenea, “Diosa de la Guerra”, vive junto a sus hermanas, Esteno y Euríale en perfecta armonía. Por sus cualidades y su belleza, se convierte en celosa aspiración de muchos pretendientes, entre ellos, Poseidón “Dios del mar”, que en un ataque de locura la viola, desposeyéndola de su bien mas preciado, la virginidad. A ojos de Atenea, es Medusa quien debe ser castigada, imponiéndole una devastadora sentencia, convertir en piedra a todo aquel que la mire a los ojos y transformarla de bella en bestia con pelos de serpientes, condenándola a la más absoluta soledad.

Perseo, hijo de Zeus “Padre de los dioses“ y de la mortal Danae, por lo tanto un semidiós, quiere salvar a su madre y para ello se compromete a llevar la cabeza de Medusa. Emprende su aventura en busca de las tres hermanas Grayas (brujas viejas y marchitas) obteniendo la información para localizar a las Ninfas Estingias poseedoras de las armas mágicas.

Medusa es desterrada a una isla desierta y su leyenda va adquiriendo cada vez mayor transcendencia lo que provoca que todos los guerreros del mediterráneo quieran decapitarla para adquirir su poder sin que ninguno consiga su propósito, quedando todos petrificados. Medusa es decapitada por el joven Perseo que consigue vencerla mirándola a través del reflejo de su escudo.

De Wilde a Strauss

La historia bíblica de la decapitación de Juan el bautista ha fascinado a todos los tiempos, como lo prueba la gran cantidad de pintores que la han inmortalizado en sus lienzos. Sin embargo, a finales del XIX y principios del XX ha sido cuando más eco se ha hecho no sólo en la iconografía sino también en la literatura y en la música. La Salomé que nos ocupa es buena muestra de ello. Richard Strauss (1864-1949) asistió a una representación de la obra, escrita por Óscar Wilde (1854-1900), y rápidamente él mismo adaptó el libreto para convertirlo en una ópera.

Salomé ocupa uno de los primeros puestos (el número 32) en el listado de la óperas más representadas del mundo, siendo la tercera ópera más representada en Alemania y la más representada de Strauss, lo cual nos da cuenta del interés que suscita entre el gran público a nivel planetario.

Sin embargo, la reacción del público tras su estreno fue de rechazo total a un tema y a una sonoridad que les parecían depravados. Hicieron falta varias décadas para que esta ópera, estrenada en la ópera de Dresde en 1905 tuviera el prestigio y reconocimiento del que actualmente disfruta.

“Los gemelos” es una de las comedias de Plauto de mayor éxito e influencia, es el más significativo ejemplo de comedia de equívocos de toda su producción, ya que son precisamente las confusiones provocadas por el extraordinario parecido de dos hermanos gemelos el verdadero y único motor de la acción que en ella se desarrolla. Por lo demás, destaca desde el primer momento la cuidada estructura de esta comedia. Si a esto unimos la abundancia de efectos cómicos y la riqueza de partes líricas, comprenderemos enseguida la alta estima en que generalmente ha sido tenida.

SINOPSIS

A su paso por la ciudad de Emérita, se encuentran casualmente dos amigos. Cepillo y Melindre. Hace tiempo que no se ven. Después de saludarse se preguntan por sus asuntos. Entre uno y otro, a modo de prólogo, ponen en antecedentes al público. La historia que cuentan los dos criados es la siguiente: Vivía en Siracusa cierto mercader, padre de dos hijos gemelos. En cierta ocasión, cuando los niños apenas habían cumplido los 8 años, el padre precisa de ir a Tarento por cuestiones de negocios y se lleva a uno de sus hijos, al que tiene su mismo nombre, Marco. La madre queda en Siracusa a cargo del otro niño, llamado Petronio. En el mercado de Tarento, el niño, entre la muchedumbre, se pierde. El padre se vuelve loco buscando sin encontrarlo. El niño había sido raptado por un viejo mercader que lo llevó a su casa, en Emérita, donde le daría tratamiento de hijo. Mientras, el padre, desesperado, enferma de dolor y muere.

La esposa, en Siracusa, en memoria de su marido muerto y de su hijo desaparecido, cambia el nombre de su hijo por el de Marco. Así, los dos niños pasan a tener, sin saberlo, una apariencia común y un mismo nombre. Transcurren años. Y mientras que el Marco de Emérita pasa una vida disoluta sin acordarse de su familia de origen, el Marco de Siracusa, que vivía junto a su madre, cuando ésta murió, dedica parte de su herencia a buscar al hermano desaparecido. Y así es como un día llega a Emérita. Donde empieza y se desarrolla el gran lío.

“Los gemelos” es el más significativo ejemplo de comedia de equívocos de toda la producción de Plauto.